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五線譜の問題点

「五線譜はなぜ生き残ってきたのか」

合理的でない、解りにくい、、、じゃあ、なぜ五線譜は現在まで使われ続けているのか、、、?
これは、私にとっても長年の疑問でした。
しかし、それは、歴史を紐解くことで理解が深まりました。
そもそも600年以上前に楽譜が誕生した頃というのは、音を記録し、人に伝えるための伝達手段でした。
もちろん録音するという方法がなかったので、書き起こすことで、音楽を目に見える形で、何度でも再演することを可能にしました。

実は、楽譜はレコードやCDなどの音楽メディアのルーツで、音楽を紙に記録しているメディアとして「音楽鑑賞用」としての役割を担っていて、16世紀のヨーロッパでは、音楽鑑賞用として、音楽出版社(*1)がリスナーである貴族たちにレンタル・販売していました。
そして、その売上げを作曲家に還元するという著作権ビジネスが既に始まっていました。

その後、紙メディアの誕生から数百年の時を経て、音楽出版社が扱うメディアは、蓄音機(ディスク)へと進化をとげ、戦後のラジオやテレビ、インターネットなどの急激なメディアの発展と共にアナログからデジタルへと進化を遂げてきました。
そして近年、急速なデジタルの進化で紙媒体も含めた全てのメディアがクラウドメディアに集約されつつあることは、みなさんご存知の通りです。

「著作権ビジネスが鍵を握っていた」

話しを楽譜に戻しますが、なぜ楽譜は不合理で解読が難しいまま変わらなかったのでしょうか?
私は、このメディアの進化の過程においても、その在りかたは全く変わっていないという大きなヒントにたどり着きました(図1)。

図1
「貴族(リスナー)」「楽譜(メディア)」を購入します。
そして「楽譜(メディア)」を演奏(再生)するのが「演奏家・音楽家(プレーヤー)」です。
現代
「私達(リスナー)」「CD・音楽データ(メディア)」を購入します。
そして「CD・音楽データ(メディア)」再生するのが「CDプレーヤー・デジタル音楽プレーヤー(プレーヤー)」です。

当時の「貴族」たちは、パトロンとしてお抱えの「演奏家・音楽家」がいて、入手した「楽譜」を演奏させて夜な夜な「演奏会」を催すことが流行していたそうです。
結局、当時も今も大きな流れは変わらなかったのです。

すると「メディアはいつの時代も著作権保護との戦いであった(図2)」ということに気が付きました。
楽譜が音楽観賞用のメディアである以上、楽譜に著作権保護の機能が必要になることは自然な流れです。ようするに、楽譜は、音符、音部記号、調号、臨時記号などを使ってエンコード(符号化)された音楽データを紙に記録したものなのです。

図2
「記譜」という形で著作権保護された「楽譜」を「演奏家・音楽家」が解読(読譜)
現代
「エンコード(符号化・暗号化)」という形で著作権保護された「音楽データやCD(ディスク)などのメディア」を「CDプレイヤー、デジタル音楽プレイヤー」が解読(デコード)

現代のレコードやCDのように、音楽鑑賞用としての役割を担う上では、「様々な記号を用いて符号化された楽譜は、限られた人だけが解読するのに都合がよかった」と理解したことで、完全に納得できました。

現代では、譜面を音楽鑑賞用にリスナーが入手することは、ごく一部のマニア以外ではありません。
鑑賞用ではなく、自らが演奏や練習用に使うことがほとんどだと思います。
現在、楽譜が一番利用されてるのは、どのようなシュチュエーションでしょうか。
おそらく、カラオケの音程バーではないでしょうか。
みなさんは、この音程バーを楽譜だということをあまり意識していないかもしれませんが、「音の高さ」、「音の長さ」、「音程表記」、が明確に表記されているという点で立派な楽譜なのです。おそらくほとんどの方が、特別な知識も必要なく、習得に時間をかけずに、直感で視覚的に音の把握をしているはずです。
全ての楽譜が音程バー方式になってくれたら、もっともっと音楽の習得はハードルの低いものになると思いませんか?現代の楽譜は、そうあるべきです。

しかし、五線譜は今でも使われている・・・。なぜでしょうか。
それは、♯や♭やダブルシャープなど記号をたくさん使って符号化された難解な譜面を読み解くことが格式高いとされていた昔のプレイヤー思考が、古いもの・歴史あるものに価値を見出すクラシックというジャンルにおいて「譜面芸術」として根強く残っており、過去の偉人達の天才的な作品を残すためにも、五線譜を不可欠な存在としているからだと思います。
そして、そのクラシックがその他の音楽ジャンルの基礎となっているからだと思います。

(*1)音楽出版社:

16世紀にヨーロッパで楽譜を印刷して販売するという楽譜出版社として発展してきたため「音楽出版社」と言われるようになった。
現在は、音楽作品の管理や売込・タイアップなどのプロモーション全般を行い、その音楽作品から得た著作権料から印税の分配など著作権管理を行う会社。
現代でいうと、エイベックス・エンタテインメント ㈱、ソニーミュージックアーティスツ、ワーナーミュージックジャパンなど。

今の音楽教育は間違っている。

一般的に音楽を自由に奏でられるようになるには、幼い頃からの英才教育や特別な才能が必要だという意識が浸透しています。しかし、本当にそうでしょうか?
音楽的な感性は選ばれたひと握りの音楽家だけが持っているのではなく、本来、どんな人にも等しく備わっているものなのです。

「音楽は難しいもの」という先入観を植え付けた元凶は、ひとえに教育方法でしょう。現状の音楽教育のベースにあるのは、五線記譜法(以下「五線譜」)を使った音楽教育です。たとえばピアノを習ったことのある人なら「最初は楽しく弾けたのに、黒鍵を使ったり、♯や♭が出てきた途端に挫折してしまった」という経験があるのではないでしょうか?
ひとりだけではなく、多くの人が同じところで挫折している以上、そこには明らかな問題点があるはずです。
「アルファベットの最初はA」ということを誰も疑問に思わないように、「ピアノにはなぜ黒鍵があるの?」「五線譜にはなぜ♯や♭があるの?」という疑問を持つ人はほとんどいません。しかし私たちを音楽から遠ざけているのは、まさに五線譜なのです。
譜面芸術とまで言われたクラシック界で、史上最も優れた存在として利用されている五線譜。当時の普及理由は、今とは全く違うので、現代では多くの矛盾と問題点を抱えてしまったことは無理もありません。

音楽は難しいのではありません。「難しく見えている」だけなのです。
まずは、「五線譜で音楽教育を行うことが正しい」という教育現場での誤解を解くことが必要だと思います。

五線譜が音楽を難しくしていた。

〜五線譜を覚えたらダメになる〜

音楽を志す限り、避けては通れないのが五線譜。

この楽譜を読めるように、誰もが必死に勉強するわけですが、私たちが「五線譜を覚えるとダメになりますよ」と話すと、たいていの人は口をアングリ開けて腰を抜かします。それはそうですよね、五線譜が問題だらけなんて誰も想像しないのですから。

なぜ五線譜が問題だらけなのか。その理由は、音と音の距離が正確に把握できないことにあります。みなさんはドレミファソラシという1オクターブの中には全音と半音が混在している、ということをご存じでしょうか?

fig.1-1
「ドレミファソラシ」は、五線譜やピアノ鍵盤の影響で、滑らかに、一段ずつ上がるかのようなイメージがありますが、実際は不規則な音階で構成されている
fig.1-2
1オクターブの階段の中に、「ドレミファソラシド」を配置してみると、
音と音の距離の違いがよくわかる
※グレー部分は黒鍵にあたる音
ドレミファソラシド

たとえばドとミ、ファとラ、ソとシは長三度、レとファ、ミとソ、ラとドは短三度で、長三度と短三度では音の距離が異なります。しかし五線譜では、いずれも同じ距離として表記されています[fig.2]。

fig.2

五線譜上の表記

全音半音の矛盾した表記

人間は目で見た目のイメージで捉えますから、同じ距離で書かれていたら同じだと思うのが自然です。だから頭の中の正しい音の距離と、目からイメージする距離がぶつかりあって、頭が混乱してしまう。そこを克服できなくてノイローゼになる人もいるほどですから、いかに五線譜が不自然かということがわかります。

実際に、楽譜を見ない人のほうがかえって成長が早いのです。喉は「ドミソ」といった音の距離が明確ですから、喉をコントロールするには音感のよさが不可欠です。それを五線譜を読みながらやると、ドとミ、ミとソの距離は五線譜では同距離なのに、実際の音の距離は違いますから、頭の中で計算しながら歌わないといけなくなる。だからシンガーは五線譜を嫌がりますし、聞くところによると国内海外問わず、プロミュージシャンにも楽譜が読めない人が多数いるようです。

楽譜は設計図や地図のようなものです。
例えば地図を思い浮かべてください。正確な地図では100m先の場所と300m先の場所の違いが明確にわかりますよね。その距離感さえわかれば、小学生でも目的地に行くことができます。ところが五線譜はそのようになっていません。楽譜を見ても、どこの距離が広くてどこの距離が狭いのかがわからない。たとえば「ド」と「レ」の距離が100mとすると、「ミ」と「ファ」の距離は50m。なのに、五線譜という地図の上には、どちらも同じ「100m」として書かれているのです。

また、五線譜にはト音記号、ヘ音記号、ハ音記号、♯、♭、ダブルシャープ、ダブルフラットといったさまざまな記号が使われますが [fig.3] 、実はこれらの記号には必要以上に楽譜を複雑に見せたり、辻褄合わせのために使われています。そんな暗号のような記号を暗記して、スラスラと楽譜が読めるようになると「こんな難しい記号が読めるなんてスゴイ!」という発想を生んでしまいます。

fig.3
五線譜に使用される《音部記号》と《変化記号》
音部記号と変化記号のいろいろ

ピアノと五線譜

現行の五線譜を使った教材やピアノを使ったメソッドのベースにあるのは、1オクターブに12の音があり、それぞれの音を主音にした長調12個・短調12個が存在するという音楽理論です。五線譜では音符に♯や♭をつけることによって、12の調を表現するわけですが、それを理解しようとすると、♯や♭やダブルシャープといった音符に付随する記号を理解しなければなりません。その記号が混乱を招いて、結局は♯、♭が2~3個つき始めたところでみんなピアノをやめてしまうというわけです。初歩の初歩だと白鍵のみの練習ですが、黒鍵が入ってきた瞬間に挫折する人は本当に多い。

 例えばハ長調を嬰ハ長調に変えると、半音上げるだけなのに楽譜に表すと♯が7個ついてしまう。 ♯のつく順番はファ・ド・ソ・レ・ラ・ミ・シの順で、1つつけばト長調、2つだとニ長調・・・(省略)、7つつけば嬰ハ長調となるのです。(下図参照)

ハ長調と嬰ハ長調
#がついている線上に書かれた音符は、すべて半音上げて(弾く)読まなければならない。
五線譜はたった半音上げただけで、たちまち読譜困難になる。

それともう一つ、ピアノで嬰ハ長調と言われてもピンと来ないのは、変ニ長調で書くためです。変ニ長調は♭が5個ついたもので、♭はシ・ミ・ラ・レ・ソ・ド・ファの順につくので変ニ長調には♭が5個つくということ。同じ音階なのに、ギターでは♯系で、ピアノでは♭系で書くというおかしな現象が起きているんです。(下図参照)

変ニ長調と嬰ハ長調は同じ調

というのもギターなどの弦楽器の場合、♭系は難しいからなんです。♭は半音下げる記号ですが、弦楽器の性質上、上がっていく音を弾くのは簡単なのです。ところが、開放弦から先に下がる音をイメージするのは難しい。下の音は別の弦に移動するわけですから。だから弦楽器は♯系で楽譜を書くほうがわかりやすいのです。「7つ♯がついていれば全部半音上がる」という風に覚えやすい点もあるでしょう。

 ただ「♯や♭が4つ5つついている」ということと「難しい曲である」というのは、音楽にとっては全く関係ないことです。それはカラオケなどでキーを変える時に、誰でも簡単にキーを変えられる(移調)することで証明できます。ハ長調(±0)の歌を嬰ハ長調(+1)に変えて歌って、何か難しくなることはあるでしょうか? ところが五線譜を使ってピアノを習うと、半音上げようとするだけで混乱してしまう。そこで♯1つのもの、♭が1つつくもの、次に♯2つ、♭2つという感じで順に12の調を全て覚えなければいけないわけです。ですから、音楽は、五線譜をやればやるほど無駄に難しくなり過ぎて、音楽性を失ってしまうことになるんです。

 五線譜は、5本の線の間隔の中で音の広さが違うということ。みんなそれをわからないまま音楽をやるわけです。つまり、瞬時に音の距離がわからないということです。さらには、本来、音楽をやるために♯や♭といった符号の知識はいらないはずです。極端な例は、ダブルシャープやダブルフラット。たとえばダブルシャープは♯が2つつくわけですから、全音を上げる記号なんだと誰でも思ってしまうのですが、実際はそうではありません。ダブルシャープは元々♯が付いている音を「さらに半音上げる」記号なのです。五線譜の不自然な部分のつじつまを合わせるために作られた記号ですので、こういうものが音楽を難しくしている原因になっています。

五線譜と3線譜さんせんふ(クロマチックノーテーション)の比較

 実は 、五線譜を使うことで都合がいいこともたくさんあります。第一に、難しそうに見えるということ。♯や♭が増えると演奏する側は難しい曲を弾いているんだという気持ちになる。実際にダブルシャープが入る曲というのは譜面がかっこいいんですよ。そういった難しそうに見える楽譜を弾けると、演奏する人も格調高く見えるわけです。今のクラシック界がまさにそうで、先生もわざわざ難しそうに教えるような風潮がありますね。
 例えばムトウ音楽メソッドのムトウ式鍵盤(クロマトーン)で弾いた時には、同じフレーズを同じ運指で鍵盤のいろんな場所で弾いてみると、それなりに曲っぽく聞こえます。

ムトウ記譜法だと音の高さが変わっても①と②のように同じフレーズなら同じ表記、同じ指の形になりますので、見るのも弾くのも比較的簡単だということもあります。(下図参照)

転調した場合のクロマチックノーテーションでの表記
クロマチックノーテーションでは、キーが変わっても音符の距離間隔が変わったり
♯や♭などがつくことはありません。

しかし、これを五線譜におこしてみると、とたんに♯や♭がたくさんついて楽譜が非常に見づらくなってしまう。①と②は同じフレーズを転調しているだけなのに、五線譜では違うフレーズに見え、難解な曲を弾いてる感じがします。(下図参照)

転調した場合の五線譜での表記
全く同じフレーズなのに、音符と音符の距離間隔も変わっただけでなく、♯・♭・ナチュラルまでもが多数つき、全く違ったフレーズに見えてしまう。

五線譜の特徴として「黒鍵と白鍵の区別の表記がピアノと似てる」ということが言われます。
何も記号がついていなければ、ドレミファソラシド(白鍵)なのです。例外はありますが、♯や♭が付けばだいたい黒鍵。
しかし、実はピアノと五線譜の相性は悪いのです。
なぜなら、ピアノは1オクターブが顕在化されている楽器です。
五線譜は五線の範囲だと何となくピアノと相性が良いように見えますが、五線より上や下の音になると極端に把握するのが難しくなります。(下図参照)

五線譜の加線が増えると読みにくい
五線譜は加線が増えることで読みにくくなるのはもちろんのこと、同じ音でもオクターブが上下すると譜頭が線上になったり線間になったりと場所が定まっていません。
3線譜の場合は、高い音でも低い音でも同じ音は同じように記譜されます。

ピアノは1オクターブを覚えてしまえば同じ形で鍵盤が並んでいますので、3線譜(ムトウ記譜法)の方が実はわかりやすいのです。(下図参照)

ピアノ鍵盤
どの音でも1オクターブを覚えてしまえばオクターブの高さが変わっても同じという点は3線譜と共通

絶対音感と相対音感

 それでは耳で聞いて音を覚えればいいかと言えば、そうとも言い切れない問題があります。それは、固定ドで音を覚えてしまうからです。要するに、固定ドは絶対的にその音だと覚えていく。子供がそれで音を覚えて、耳でその音が「これはラの♭だ」などとわかるようになると、天才みたいに見えてくるでしょう。先生も褒めるわけですから、子供はどんどん身につけてしまいます。子供のやわらかい脳に一度焼き付けられると、一生消えない絶対音感がついてしまう。
そのまま音大を出たとしても、実際に音楽界で活躍する人は数千人に一人しかいないわけですから、みんな学校の先生になったり教室で教えたりするようになる。
そういう人たちは自分が習った通りのことしか教えませんし、学校教師にいたっては実力や知識に関係なく、文部省の許可があるかどうかでしかない。そういう先生に教えられて、また子供たちが音楽性を失って…という「勘違いスパイラル」の悪循環が今の音楽教育には起こっているのです。

絶対音感と相対音感は両方身に付くのが理想ですが、実際は絶対音感だけがついて終わりというケースがほとんど。
たとえば絶対音感があれば、曲を聞いただけで楽譜に起こせるという利点はありますから、聴音の職人としては便利な能力なんです。
しかし相対音感があると、それが何調なのかがわかれば、♯や♭を3つも4つもつけなくても、ハ長調で譜面書いちゃえ、ということができてしまうんですね。

絶対音感とは「この音は絶対にこの音」、いわゆる固定ドとして認識する音感ですが、相対音感というのは基本が決まればそこから相対的に全ての音がとれる音感です。基本がどこになるかにあわせて「ここからドレミ…」という風に譜面が書ける。それが移動ド。本来ならば、それが音楽の正しい姿なんです。

だからランダムに聞いた音を特定できる絶対音感は、素人に見せればすごいと思わせる特技だけど、音楽的に言うとマイナス要素が多いんです。音大生には絶対音感の人が多いですよ。
乳幼児~4歳から訓練すると、完全に焼き付いてしまっているので、ちょっとでも音が狂うと気持ち悪くなってしまうんですね。たとえば「ドは赤」、「ミは黄色」、「ソは青」という風に絶対音感を色で覚えたとしたら、街で黄色のものを見かけるたびに「ミ」の音が無意識に聞こえてくる、というような現象が起きるんです。
ところが音楽教育では絶対音感があるほうがいい、という考え方があるんですね。さらにクラシックピアノの世界で、たとえば「ヘ長調を半音下げてホ長調にして弾いて」なんていうことはまずない。弾いてみせても「なんだかヘンだ」と認識してしまうんです。それはその曲はヘ長調が絶対にいい、と思いこんでいるから。ホ長調にはまた別の曲があるんですよ。

ちなみに、オーケストラなどで使用する国際標準高度にA(アー)の音というものがあって、つまりラの音なんですが、これは年々上がっているんですよ。おそらく時代の流行というか、今一番心地良い音ということなんでしょうね。また、昔は調律方法が今のような平均律ではなかったため、いくつかの調律の中で一番きれいに聞こえる音を探して曲を書いたようです。バッハなどはかなり気にして曲を作ったと言われています。

音楽ひと口メモ:絶対音感と相対音感

絶対音感とは特定の音を、他の音と比較することなしに把握することのできる能力のこと。ランダムに弾いた楽器の音、信号機の警告音などを厳密に聞き分け、それがドなのかファなのか言い当てられるのが、絶対音感の特徴。それに対して相対音感はある特定の音を基準にして、他の音高を区別判断することのできる能力のこと。たとえばドの音を聞いた後にレの音を聞くと「ドより1つ(全音)高い音」と認識できる力。本来、音感とは絶対・相対両方が備わっていることが理想とされています。ちなみに、絶対音感の謎を科学的、音楽的に分析した最相葉月のノンフィクション『絶対音感』は99年のベストセラーに。

音楽ひと口メモ:国際標準高度

高度とは1秒間に空気に振動する音(s)のことで、インターナショナルピッチとも言う。単位はHz(ヘルツ)合同演奏の発達とともに一定の高度を決めて演奏する必要性が出たため、1858年以降、国際基準としての国際会議が定められている。

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